"...así funciona el artículo como crítica: en el movimiento constante de la descripción a la emoción y la identidad, a través de las cuestiones de género, texto e interpretación, conocimiento, verdad y sentimiento"
Simon Frith, "Música e identidad"
The National "Afraid of Everyone" High Violet 2010
The National lanzó esta semana su quinto álbum, High Violet. Sin duda uno de sus mejores trabajos, que cuenta con magníficos invitados (Sufjan Stevens, Justin Vernon). Un álbum lleno de excelentes canciones, entre ellas "Afraid of Everyone", de atmósferas oscuras, versos paranoicos y coros fantasmagóricos en los que participa Stevens. Pues bien, The National se presentó el jueves en The Late Show With David Letterman interpretando "Afraid of Everyone". Estupendo performance que contó con la colaboración del propio Sufjan Stevens. Los instrumentos sonaron mucho más (in)tensos, con la notable contribución de los metales, y la voz de Matt Berninger se escuchó mucho más dramática y frenética que en la versión de estudio. En fin, The National demuestra de nuevo que es una gran banda.
Pueden descargar gratis la canción aquí: http://stereogum.com/339721/the-national-afraid-of-everyone/mp3s/
Hace unas dos semanas se estrenó el video de M.I.A. "Born Free", dirigido por Romain Gavras. El tema: la violenta persecusión contra un grupo racial de Estados Unidos llevada a cabo por un comando oficial. El video es violento y ya fue censurado en YouTube.
(El nuevo álbum de M.I.A. ɅɅɅΥɅ sale el próximo 29 de junio).
¿Cómo los Beatles conquistaron al mundo? La respuesta es fácil: eran zombies (...bueno, en realidad Ringo era un letal ninja, obvio, ¿no?). Acaso Tim Harper tenía razón en 1969: Paul estaba muerto. Lo corregimos: más bien, era un zombie. La historia es aún poco conocida. En el sombrío y lóbrego Liverpool de tiempos de guerra (ambiente propicio para la propagación de zombies y todo tipo de creaturas monstruosas), específicamente el 9 de octubre de 1940, un muerto viviente acechaba una sala de maternidad de uno de los hospitales de la ciudad. Su víctima, el recién nacido John Winston Lennon. Unos años después, el zombie John conoce, mata y revive a Paul McCartney y juntos planean dominar al mundo. "I Want to Hold Your...". A este proyecto se les unen el joven zombie George Harrison y el ninja Ringo Starr. Su mayor deleite: los cerebros de sus fans. De Liverpool cruzan el Atlántico para llegar a América. ¿Quién podrá salvar al mundo? Las esperanzas pueden estar depositadas en el célebre cazador de zombies: Mick Jagger.
No estoy debrayando (creo que mi fanatismo por los Beatles aún no ha llegado a tal grado). Más o menos sobre esto versa la novela Paul is Undead: The British Zombie Invation, de Alan Goldsher, publicada en enero de este año y que será llevada a la pantalla grande en junio bajo la dirección de Michael Shamberg. Tal vez ahora ha llegado el tiempo de correr a la A Hard Day's Night.
Las tensiones ya eran de suyo evidentes. La culpa no era sólo de la artista conceptual de origen asiático. En realidad, muchos factores estaban en juego. Cada uno de los miembros de la banda había crecido demasiado, al menos en términos musicales. Cada uno tenía material suficiente para grabar por sí solo un álbum completo, o, como lo demostró pocos años después el más joven de ellos, incluso para lanzar un excelente álbum triple. ¿Con qué criterio seleccionar canciones, incluir unas y dejar otras fuera? Eran grandes egos, y tenían razones de sobra para creérselo. La controvertida muerte de su manager algunos años antes también había contribuido a los conflictos entre el grupo; era cercano al más revolucionario de todos ellos, pero quién tomó la batuta fue quien tenía más visión comercial y mercantil, de sacar adelante a la banda en términos económicos, de asumir el liderazgo, no siempre armónico. Lo cierto es que los conflictos venían desde antes, al menos, notoriamente, desde 1968. El bajista y líder del grupo —el beatleholic, según la elocuente expresión del baterista de la banda— sugirió que una forma de disminuir las tensiones sería ensayar como banda, o bien, tocar de nuevo en vivo. Dejar por un lado la experimentación -que por lo demás se dio de manera bastante individualista- tan característica de los tres álbumes anteriores (Revolver, Pepper, el álbum blanco) y hacer de nuevo un álbum rock. Volver a las raíces. "Volver al lugar al que alguna vez perteneciste". A la caverna, a viejos temas rock n' roll como "One After 909". Idea tentadora. Ya el más "tímido" de ellos buscaba inspiración no sólo en la música de la India, sino también en el folk de músicos como Bob Dylan, un eterno referente de la banda. Otro de ellos, rockero de alma, también había tocado en vivo la rockera "Yer Blues" acompañado de los talentosos Eric Clapton, Mitch Mitchell y Keith Richards, bajo el nombre de The Dirty Mac, en un célebre evento organizado por los Rolling Stones.
Otra opción era cambiar temporalmente de productor, dejar a un lado al brillante productor de música clásica que tan bien la hizo con temas de rock n' roll, primero, y con la experimentación psicodélica, después (Pepper no hubiera sido ni de lejos lo mismo sin él). La nueva propuesta: Glyn Johns. Algunos no apoyaron esta idea, pero se trabajó con él. La última propuesta para sacar adelante la banda fue filmar la grabación del disco. Un video que no hizo más que, cual reality show, dar cuenta de las tensiones del grupo. El guitarrista de la banda era claramente despreciado, su excelente tema "I Me Mine" apenas fue incluido en el disco final (una canción que, por cierto, desde el título -y con una marcada influencia hindú- aludía a la egocéntrica situación de los miembros del grupo). Por un momento dejó la banda y, en vez de que sus compañeros pidieran su regreso, llegaron a considerar a Clapton como nuevo guitarrista del grupo. Las sesiones de grabación continuaron con el joven guitarrista de regreso, quien trajo consigo al tecladista Billy Preston con el fin de aminorar los conflictos. Así, los cinco llevaron a cabo una presentación en vivo, presentación que se volvería emblemática. En el techo del edificio de Apple tocaron algunas de las nuevas canciones como "Dig a Pony", "I've Got a Feeling", "One After 909", "Get Back" y "Don't Let Me Down". Desafortunadamente, la policía los interrumpió y éste fue el último acto en directo público de la banda.
A pesar de la presentación en vivo, el álbum no fue totalmente una grabación en directo. De hecho, el único tema grabado de tal forma fue "One After 909". El resto de las canciones se grabaron en estudio y el feliz título del álbum fue Get Back. Para continuar con este aire de regreso, de vuelta a los orígenes, la portada del álbum sería la versión 1969 del álbum debut: todos los integrantes de la banda en las escaleras de la oficina de EMI, viendo hacia abajo. El álbum quedó listo a finales de mayo de aquel año y saldría en el mes de julio. Luego se aplazó a diciembre porque la banda se encontraba grabando lo que en realidad fue su último álbum, Abbey Road. El listado de Get Back era el siguiente:
1. The One After 909 2. Rocker 3. Save the Last Dance for Me 4. Don't Let Me Down 5. Dig a Pony 6. I've Got a Feeling 7. Get Back
1. For You Blue 2. Teddy Boy 3. Two of Us 4. Maggie Mae 5. Dig It 6. Let It Be 7. The Long and Winding Road 8. Get Back (reprise)
Pero entre diciembre de 1969 y enero de 1970 se hicieron nuevas mezclas, algunas canciones quedaron fuera y se incluyeron otras. Y en marzo de 1970 se probó suerte con un nuevo productor, quien había trabajado con girl groups como las Crystals y las Ronettes. El álbum cambió de nombre, finalmente se tituló Let It Be, y a lo que era un material esencialmente de rock (sólo guitarras, bajo, batería y algunos teclados) el nuevo productor le incorporó una serie de arreglos orquestales que no convencieron a todos los miembros de la banda. Particularmente fue el caso de "The Long and Winding Road", que para su compositor debía ser sencillamente una balada con solo piano. Pero para cuando Let It Be fue lanzado, el 8 de mayo de 1970, la banda ya se había separado, y en sus trayectorias como solistas algunos volvieron a colaborar con el productor del disco. Para esta versión sí se usaron más tomas en vivo: además de "One After 909", se incluyeron "Dig a Pony" del concierto del techo, y "Two of Us", "Dig It" y "Maggie Mae" fueron grabadas en vivo en el estudio.
A veces pareciera que no hubo mayor conflicto al interior del Fab Four. En la folky (pero originalmente rockera-eléctrica) "Two of Us", la mancuerna de los dos compositores principales retoma, cual en sus primeros años juntos, la influencia temprana de los Everly-Brothers; y en la bluesesca "I've Got a Feeling", alternan las vocales entre pasajes optimistas y pesimistas ("Everybody Had a Hard Year"…). Y a pesar de que Let It Be no es el mejor álbum de la banda (mi padre convenía, y decía que éste álbum bien podría ser el “grandes éxitos” de muchos grupos), sí incluye algunas de sus canciones más emblemáticas y "espirituales": el consolador himno "Let It Be", que incluye uno de los mejores solos de la banda, la "balada cósmica" "Across the Universe". "Get Back" es uno de sus grandes actos rock con la resonante línea de bajo y los arreglos de teclado y guitarra. Siempre fue el tema que mejor representó el espíritu del proyecto original. Sin embargo, el producto final, Let It Be, fue en realidad el largo y sinuoso camino del fin de The Beatles.
1. Two of Us 2. Dig a Pony 3. Across the Universe 4. I Me Mine 5. Dig IT 6. Let It Be 7. Maggie Mae
1. I've Got a Feeling 2. One After 909 3. The Long and Winding Road 4. For You Blue 5. Get Back
En esta excelente pieza de más de 10 minutos, Lou Reed mezcla, como bien lo sabe hacer, una bella melodía acompañada de arreglos de cuerdas con imágenes beat que bien podrían provenir de una historia de William Burroughs. La canción está dividida en tres partes: 1. "Waltzing Matilda", sobre la relación de una mujer con un prostituto; 2. "Street Hassle", el monólogo de un dealer sobre la muerte de una mujer; 3. "Slipaway", sobre muerte y amor, que incluye una pequeña sección recitada por Bruce Springsteen, donde destaca la intertextual frase "Hay vagabundos como nosotros que nacieron para pagar". Las estrofas finales son magistrales, con una de las interpretaciones más estremecedoras de Reed cuando canta "El amor se ha ido/toma los anillos de mis dedos/y no hay nada que decir/pero, cómo, cómo te necesito/ven, te necesito/por favor no te marches/necesito tanto tu amor, por favor no te marches"
Para muchos, los tambores no están muertos; por el contrario, están llenos de vida. Los tambores de los Kaluli de Nueva Guinea, nos dice el etnomusicólogo y lingüista norteamericano Steven Feld, se encuentran en íntima conexión con las aves y con los espíritus de los niños muertos, por lo que escucharlos resulta una experiencia por demás significativa para los Kaluli. El percusionista y teórico musical inglés Chris Cutler también encontró otra forma de “dar vida” a los tambores. Cutler electrificó su batería añadiendo una serie de pedales delay, reverb, de distorsión, entre otros, para crear nuevos tipos de sonidos con las percusiones. En su tercer álbum, la banda de Brooklyn Liars retoma las enseñanzas de Cutler, y tanto el baterista Julian Gross como el percusionista, guitarrista y tecladista Aaron Hemphill colocan micrófonos en su batería y percusiones para lograr efectos de reverb, delay, entre otros. Drum´s Not Dead es entonces un álbum en el que, como el título lo sugiere, lo que predomina son las percusiones, de carácter fuertemente tribal, pero que con los efectos de los pedales generan atmósferas etéreas oscuras con densas texturas sonoras. A este sonido también contribuyen las guitarras drone, que hacen de Drum’s Not Dead, en cuanto a su textura, un álbum comparable a The Ascension de Glenn Branca o a Loveless de My Bloody Valentine. Drum’s Not Dead tiene como tema central el conflicto entre dos personajes, Drum y Mount Heart Attack, conflicto que representa el choque de fuerzas entre, por un lado, lo creativo, instintivo y asertivo y, por otro, la complacencia, el pesimismo y la aprehensión. O bien, entre la confianza y la cobardía. Una tensión que se encuentra presente en todo proceso creativo y en todo el álbum. Interesante, pero en realidad la historia importa muy poco, lo central es, por mucho, el sonido. El vocalista Angus Andrew canta con un estilo comparable a Thom Yorke en sus momentos más lúgubres, y emplea más que nunca falsetos sumamente fantasmagóricos. El álbum abre con la sombría “Be Quiet Mt. Heart Attack” con sus resonantes tambores militares. “Let’s Not Wrestle Mt. Heart Attack”, con sus percusiones ceremoniales, es oscura, tensa, a punto de estallar en cualquier momento, pero nunca lo hace, ahí su encanto. En “It Fit When I Was a Kid” las líneas de bajo y las percusiones, así como la sorpresiva entrada del órgano de iglesia, generan un ambiente siniestro. Los temas se van conectando fácilmente los unos con los otros a través de las atmósferas continuas, lo que genera la sensación de que lo que importa no son tanto las canciones individuales, sino la colección de sonidos, abstractos y ruidosos. Pero también encontramos, en contraste con las atmósferas oscuras, bellas piezas ambientales, muy a la Brian Eno, como “Drum Gets a Glimpse”. El final resulta de hecho sumamente inesperado con la balada “The Other Side of Mt. Heart Attack". Es una excelente pieza que desentona con el resto del álbum y que, como su título lo indica, muestra el otro lado de Mt. Heart Attack: detrás del pesimismo y la aprehensión, nos muestra entrega, lealtad, amor: “No voy a correr lejos/siempre puedo ser encontrado/si me necesitas/siempre puedo ser encontrado/si quieres que me quede/permaneceré a tu lado/no correré lejos/siempre puedo ser encontrado/permaneceré a tu lado/y quiero que me encuentres/así que permaneceré a tu lado”. Es también sin duda el otro lado de Drum’s Not Dead y de Liars mismos.
Conclusión: Liars nos demuestran que los tambores están llenos de vida, pero una vida hondamente fúnebre.
Pueden descargar el álbum aquí: http://www.filestube.com/79d2ea9abf864ff303e9,g/Liars-Drum-s-Not-Dead-%5B2006%5D.html
(...para aquellos que en algún momento esperabamos escuchar Pachelbel, Eno y Grizzly Bear juntos)
Los franceses Phoenix, que hace unos meses visitaron México para presentar su excelente álbum Wolfgang Amadeus Phoenix (que ganó el grammy de este año en la categoría de mejor álbum de música alternativa), nos ofrecen un interesante remix de "Foreground", una de las piezas más bellas del último álbum de Grizzly Bear, Veckatimest. Interesante porque en realidad el remix lo hace uno mismo a partir de mezclar "Foreground" con la versión experimental-ambiental de "Canon in D Major" de Brian Eno. Así que ustedes pueden crear su propia mezcla, comenzar con Eno y luego con Grizzly, jugar con el volumen, las pausas y todo lo que se les ocurra, aquí: http://wearephoenix.com/grizzly_bear_remix/
(hasta ahora yo disfruto de una versión de "Foreground" ambiental a la décima potencia)
sobre Veckatimest y Woflgang Amadeus Phoenix pueden ver más aquí: http://blog.thespacefarm.com/?p=3939
