¡Venus y Marte estuvieron magníficos esta noche! Paul McCartney en el Foro Sol

27 de mayo de 2010

Sentado en las gradas del Foro Sol, esperando que el show comenzara, con luces rojas, luces verdes, vino rosa. Un buen amigo mío, sigo a las estrellas, Venus y Marte están bien esta noche. ¡Y el show de Rock comienza! Sir Paul McCartney abrió con la acústica "Venus and Mars" seguida inmediatamente de "Rock Show", para dar lugar a la magnífica "Jet", con la que el Foro Sol comenzó a conmocionarse. La lluvia y el angustiante tráfico de Río Churubusco valieron la pena. Desde luego, el fervor aumentó y la gente se puso de pie cuando interpretó la primera canción de los Beatles de la noche, la country-rocanrolera "All My Loving". Personas de todas las edades comenzaron a cantar con gran emoción. Después siguieron más canciones de Wings, "Letting Go" y "Let Me Roll It" (en la que al final tocaron el célebre riff de "Foxey Lady"), intercaladas por canciones de los Beatles, como la clásica de Revolver “Got to Get You into My Life”. Luego vino material nuevo de The Fireman, la bluesesca “Highway”, con espectaculares luces en el escenario.
El primer gran momento conmovedor de la noche fue la nostálgica "The Long and Winding Road", que no puede dejar de remitirnos al final de los Beatles, y con la que derramé mis primeras lagrimas en el concierto. Sin duda Band on the Run fue el álbum de McCartney post-Beatle que tuvo más presencia en la noche. Fue una sorpresa escuchar "Nineteen Hundred and Eighty Five", interpretada con gran intensidad, a la que le siguieron clásicos del ex-Beatle como la alegre marcha "Let 'Em In", en la que lucieron, cuales intermitentes estrellas, los encendedores del público que se prendían y apagaban con el ritmo de la música, a tal grado que terminada la canción Macca pidió al público que lo hiciera de nuevo. Y después llegó la romántica balada dedicada a Linda y a todos los enamorados de la noche "My Love". Luego siguieron más clásicos de los Beatles, lo que podríamos llamar el segmento folk de la noche con “I’m Looking Through You”, “Two of Us”, la tan esperada "Blackbird" y la primera dedicación a John Lennon, la melancólica “Here Today”.
El ambiente cambió de nuevo con la rítmica y bailable “Dance Tonight”, con McCartney tocando la mandolina, pero sobre todo con otra grata sorpresa, “Mrs. Vandebilt”, con los coros al unísono “Ho, He Ho/ Ho, He Ho”. Y luego la desoladora “Eleanor Rigby”. ELEANOR RIGBY!
Otro de los momentos más conmovedores, acaso el más, fue el tributo a George Harrison, “Georgie”, según la expresión de McCartney, con la clásica balada “Something”. Al inicio sólo McCartney con el ukulele, pero al llegar el momento del magnífico solo de guitarra entra toda la banda y comienza la proyección de imágenes de distintos momentos de la vida de Harrison. Espectacular. Era imposible contenerse. Le siguió la rockera-ambiental “Sing the Changes” de The Fireman, donde se podía ver en la pantalla la silueta de Barack Obama conformada por pixeles (al menos eso creo). De aquí en adelante todo fue un estado sublime de éxtasis para mí, al escuchar la introducción de guitarra de “Band on the Run”, y cuando después de decir que iba a tocar una canción de los sesenta que nunca había interpretado en giras anteriores (y por lo tanto en México), Macca y su banda interpretaron “Ob-La-Di, Ob-La-Da”, con la que todos los que estaban sentados tuvieron que levantarse y lograron que el Foro Sol pareciera sucumbir. Nunca fue una de mis canciones favoritas de los Beatles, y nunca me imagine que la fuera a disfrutar tanto. El álbum blanco siguió sonando con la movida “Back in the USSR”. Y más Beatles: “I’ve Got a Feeling” y la enérgica “Paperback Writer”. Y otro tributo a Lennon, con la magistral “A Day in the Life”, toda cantada por McCartney, junto con la coreada “Give Peace a Chance”. El momento final fue sublime. El consolador himno “Let it Be”, con más lagrimas; la potente “Live and Let Die”, con sus espectaculares fuegos artificiales; y la tierna “Hey Jude”, con la legendaria coda "na na na na”, y con la que McCartney se despidió por primera vez.
McCartney y su banda regresó con la rockera “Day Tripper”, “Lady Madonna”, con la que muchos no paramos de bailar, y en “Get Back” invitaron a subir al escenario a bailar a una afortunada chica del público.
El segundo encore también fue sublime, irresistible por sus contrastes. Así, tras interpretar la clásica “Yesterday”, McCartney y compañía le dieron un giro al ambiente para tocar la hard-rockera “Helter Skelter”. Cerró con “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (reprise)”/”The End”, en la que pudimos disfrutar un excelente deleite instrumental, con el solo de batería de Abe Laboriel Jr. y los duelos de guitarra de McCartney y Brian Ray.
Desde luego que a uno le hubiera gustado escuchar cientos de canciones más. Pero considerando sus tours anteriores, se extrañó “Maybe I’m Amazed” y que no tocara nada de Chaos and Creation in the Backyard, a mi juicio su mejor álbum de los últimos años. También se echaron de menos actos más rock n’ roll como “I Saw Her Standing There” o “Can’t Buy Me Love”. Hubiera amado escuchar “For No One”, “Fixing a Hole”, “Getting Better”, “I Will”, “Mother’s Nature Son”, “Mull of Kintyre”, “Uncle Albert/Admiral Halsey”, “Listen to What the Man Said”, en fin, muchas, muchas otras. Con todo, el sonido fue excelente, las interpretaciones impecables, McCartney, a los 67 años, inagotable, cambiando constantemente de la guitarra eléctrica a la acústica, del piano a su emblemático Höfner, pasando por la mandolina y el ukulele. Carismático, cómico aún, con una muy buena relación con el público, intentando comunicarse en español, dirigiéndose al público con recurrentes “hola chilangos”. Sobre todo, escuchar todas estas canciones, que ya son parte indispensable de mi vida, en voz de uno de los Beatles, fue una maravillosa experiencia. Sin duda el mejor concierto de mi vida.

Setlist:

Venus and Mars/Rock Show
Jet
All My Loving
Letting Go
Got to Get You into My Life
Highway
Let Me Roll It
The Long and Winding Road
Nineteen Hundred and Eighty Five
Let ‘Em In
My Love
I’m Looking Through You
Two of Us
Blackbird
Here Today
Dance Tonight
Mrs. Vandebilt
Eleanor Rigby
Something
Sing the Changes
Band on the Run
Ob-La-Di, Ob-La-Da
Back in the USSR
I’ve Got a Feeling
Paperback Writer
A Day in the Life/Give Peace a Chance
Let it Be
Live and Let Die
Hey Jude

Encore 1:
Day Tripper
Lady Madonna
Get Back

Encore 2:
Yesterday
Helter Skelter
Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (reprise)/The End

Vampire Weekend: nuevo video y tema de Eclipse

Buen año para Vampire Weekend. Su segundo álbum, Contra, alcanzó el primer lugar en la lista Billboard 200, cosa que muy pocos álbumes indie han logrado. Y anoche debutó en MTV el video del tercer sencillo de Contra, la reggae “Holiday”, dirigido por Emmett y Brendan Malloy. Un video en el que los vampiros cortesanos salen de paseo en un soleado fin de semana. Pueden ver el video abajo.
Y también hoy Vampire Weekend nos da a conocer su contribución musical a la tercera entrega de la saga Twilight, la canción “Jonathan Low”, que pueden escuchar aquí: http://soundcloud.com/c87157/vw-1

“Holiday”

Vampire Weekend - New Music - More Music Videos

Arcade Fire anuncia nuevo álbum

Después de dar a conocer su nuevo sencillo, "The Suburbs", acompañado de "Month of May", Arcade Fire anunció hoy que su esperado tercer álbum, titulado The Suburbs, verá la luz el próximo 2 de agosto. El álbum ya se puede pre-ordenar en su página, donde también pueden escuchar el primer sencillo y jugar con la letra del mismo.

http://www.arcadefire.com/

"...In my dreams we're still screaming, we're still screaming..."

Ahora sí, nuevo sencillo de Arcade Fire

Hace unos días la banda canadiense Arcade Fire nos dio a escuchar, de manera por lo demás creativa, adelantos de su nuevo sencillo "The Suburbs", que viene acompañado con la canción "Month of May". Bien, pues hoy ya podemos escuchar y disfrutar las canciones enteras.
El sencillo sale oficialmente el próximo 1 de junio.

"The Suburbs"


"Month of May"



También pueden descargar "The Suburbs" aquí:
http://www.musicvagabond.com/post/635315800/arcade-fire-the-suburbs-no-more-playing-with

Nuevo video de Charlotte Gainsbourg “Time of the Assassins”

La talentosa y bellísima Charlotte Gainsbourg sacó el video “Time of the Assassins”, segundo sencillo de su magnífico álbum en colaboración con Beck, IRM. Dirigido por Todd Cole, resulta un video muy adecuado para la canción, sereno y extraño, que queda perfecto con la susurrante y cautivadora voz de Gainsbourg.

Pueden verlo abajo

Canción de la semana: Paul McCartney & Wings "Jet"

Sin duda, puedo llamar a ésta la semana McCartney. Hace unos días el presidente de Estados Unidos Barack Obama anunció que el próximo 2 de junio se le rendirá tributo a Paul McCartney en la Casa Blanca con el Premio Gershwin de canción popular. Entre los invitados que interpretarán canciones del ex-Beatle estarán Jack White (¡en la casa blanca!), Elvis Costello, Dave Grohl, Stevie Wonder (quien ya ha sido condecorado con este premio), los Jonas Brothers (:S), entre otros. Y, sobre todo, ¡McCartney se presenta en México este jueves y viernes! Mi semana McCartney entonces.
Por ello, la canción de la semana, "Jet", del excelente Band on the Run (1973), quinto álbum de McCartney post-Beatles y su tercero con Wings. Ya sea sobre el labrador de McCartney (como lo hizo anteriormente con "Martha My Dear"), o sobre John Lennon y David Bowie (el "major" que luce como una chica, "Suffragate [city]"), "Jet" es sin duda una de las canciones más enérgicas de McCartney. Y no puedo esperar a escucharla en vivo.

Aquí una excelente presentación de McCartney & Wings en 1976




I thought the only lonely place was on the moon!

Pueden descargarla aquí:

	Paul McCartney & Wings - Jet .mp3
	Found at bee mp3 search engine

Nuevas canciones de Arcade Fire

Así es, tres años después de haber lanzado su último material discográfico, Neon Bible (2007), Arcade Fire está por sacar su nuevo sencillo "The Suburbs", acompañado de "Month of May". Mientras tanto nos dan una probadita de este nuevo material de una manera bastante novedosa. Como si fuera un LP, deben girar el disco de abajo para poder escuchar adelantos de la honky tonk "The Suburbs" y de la punketa-stoogieana "Month of May". Y, ¡ey, también pueden escucharlas al revés!

http://www.arcadefire.com/

A 30 años de la muerte de Ian Curtis

Sin duda alguna, Joy Division es una de las bandas que ejerce una gran influencia en la escena musical contemporánea (The Cure, Interpol, Radiohead, U2, The National, LCD Soundsystem, etc.). Con tan sólo dos álbumes (Unknown Pleasures [1979] y Closer [1980]) y unos cuanto sencillos definieron un sonido de guitarras rock minimalista, post-punk, en el que el bajo lleva la melodía, con atmósferas góticas trazadas con sintetizadores, lleno de temas de alienación, miedo, oscuridad, pérdida de control, cantados con la grave voz de Curtis. Una música dolorosa, honestamente dolorosa y sumamente expresiva. Música que sigue satisfaciendo nuestros placeres desconocidos y que lo seguirá haciendo en el futuro.

Como pequeño tributo dejamos aquí algunas de sus canciones más célebres para que disfruten:

"Disorder"


"Transmission"


"She's Lost Control"


"Isolation"


"Twenty Four Hours"


"Love Will Tear Us Apart"


y la sublime
"Atmosphere"

LCD Soundsystem:This is Happening

LCD Soundsystem
This is Happening
2010

LCD Soundsystem es un elemento fundamental en el escenario rock de los últimos años. Bajo el liderazgo de James Murphy, han logrado, por una parte, mezclar distintos estilos de diferentes épocas con gran éxito: el punk de bandas como Siouxsie and the Banshees, el post-punk de Joy Division, el synthpunk de Suicide, el pop de sintetizadores y new wave de New Order, así como el funk de Talking Heads, el house de Daft Punk, el art rock de Brian Eno, David Bowie o The Velvet Underground. Un pastiche o collage, dirían algunos teóricos de la posmodernidad. Así las cosas, no extraña que Sound of Silver, su excelente álbum del 2007, parezca una maravillosa colección de temas de diferentes bandas, una compilación de distintos tiempos. Por otra, LCD también nos ha legado himnos para este nuevo milenio, como “Losing My Edge”, “Tribulations”, “All My Friends”, “Someone Great”, entre otros. Todo esto con tan sólo dos álbumes. Entonces, las expectativas para el tercero no pueden ser sino muy altas.
Bien, pues hoy salió a la venta la tercera entrega de LCD, This is Happening, posiblemente su último material. Eso no significa que James Murphy deje de hacer música (roguemos que no sea así), sino simplemente es el final de este proyecto de dance-punk, que en realidad es mucho más que dance-punk o cualquier otro género.
This is Happening te atrapa desde el inicio con las percusiones y los sintetizadores de la fantástica "Dance Yrself Clean". Todo muy tranquilo al inicio, Murphy canta con un estilo minimalista a la Joy Division, hasta que entra la batería y los sintetizadores cobran mayor fuerza y Murphy grita con todo su ronco pecho. La energía sigue con la punketa "Drunk Girls", canción que desencantó a muchos, pero que escuchándola más y en el lugar que le corresponde en el álbum, me resulta mucho más convincente.
Insisto que si algo realmente me gusta de LCD es que en sus álbumes podemos encontrar muchos ritmos, emociones y sentimientos, desde lo más bailable y divertido hasta la nostalgia pura. En este sentido, “All I Want” es una verdadera joya. Así como la melancólica “All My Friends” te captura con sus repetitivos sintetizadores, ésta lo hace con su lluvia de guitarras slide que nos recuerdan a la célebre “"Heroes"” de David Bowie. Sin duda también se convertirá en otro himno con sus memorables gritos al final “take me home”. This is Happening baja el ritmo en "I Can Change", una balada new-orderesca en la que Murphy canta con falsetos logrando uno de los momentos más sentimentales del álbum. Pero en "You Wanted a Hit" se retoman los guitarrazos post-punk, y la talking-headiana "Pow Pow" nos recuerda a los temas del álbum debut, como a la genial e hilarante "Losing My Edge". “Somebody’s Calling Me” toma una línea electrónica con atmósferas oscuras y ambientes decadentes, muy al estilo de la trilogía de Berlín de Bowie y The Idiot de Iggy Pop.
This is Happening tiene un cierre brillante con "Home", donde LCD hace lo mejor que sabe hacer: mezclar el ritmo con la emoción. Las referencias a “This Must Be the Place (Naïve Melody)” de Talking Heads parecen ser claras. Un final perfecto para uno de los grandes álbumes de la nueva década.

Pueden escuchar el disco aquí: http://www.lcdsoundsystem.com/thisishappening/, o bien, descargarlo aquí: http://www.mediafire.com/

Beach House en el Lunario del Auditorio Nacional

Beach House
Lunario del Auditorio Nacional
13 de mayo de 2010


Teen Dream es uno de mis discos favoritos en lo que va del año. Escucharlo casi en su totalidad el pasado jueves ha sido sin duda una de las mejores experiencias del año. Beach House, dúo de Baltimore conformado por Victoria Legrand (vocales, teclado) y Alex Scally (guitarras), se presentó en México por primera vez este jueves 13 de mayo en el prácticamente repleto Lunario del Auditorio Nacional. Fue una magnífica velada de atmosférico dream pop iluminado con tenues luces rojas, azules, verdes y amarillas. Los que estábamos en las primeras filas estábamos impacientes. Lamentablemente la presentación de la banda telonera, Songs For Eleanor, dejó mucho que desear. Los instrumentos no estuvieron muy bien ecualizados, las vocales apenas se escuchaban, lo que resultó en un sonido bastante plano y monótono. Pero después, las luces del escenario se apagaron por completo y comenzaron a sonar la batería, guitarra y teclados de "Walk in the Park". A pesar de lo tranquilo de la música de Beach House (el guitarrista Alex Scally pasó buena parte del concierto sentado), Victoria Legrand se mostró sumamente enérgica, vestida muy ochentera, con su saco blanco, agitando su largo cabello castaño y dándole con todo al teclado. A comparación de la banda telonera, el sonido fue muy bueno, Legrand cantó de manera impecable, con su característica voz andrógina a la Nico.
Las texturas etéreas y atmósferas de ensueño se sentían de manera mucho más orgánica, con una batería que tenía una mayor presencia que en las versiones de estudio. La dramática “Gila” sonó sumamente intensa, y casi todos coreamos con nuestro ronco pecho la melancólica “Norway”. La voz de Legrand fue espectacular en "Silver Soul", aunque es una lástima que los slides de Scally se hayan escuchado muy poco.
Mis momentos favoritos: la delirante "Master of None", cuyo puente fue un verdadero clímax para mí: la intensa atmósfera creada por el teclado y la guitarra junto con la voz de Legrand alzándose hasta llegar a un magnífico falsete. "Used to Be" aceleró el ritmo y, sin duda, la post-rockera "Zebra" fue la más esperada y la más cantada por el público, lo que generó, cual solemne himno, un momento sumamente estremecedor. Una grata sorpresa fue escuchar la hipnótica “Astronaut”, de su segundo álbum Devotion. Y las baladas “Heart of Chambers” y “Take Care” fueron por lo demás cautivadoras.
Fue una lástima que en el encore Beach House sólo haya regresado para tocar una canción (cuando suelen tocar dos), pero sin duda fue una espléndida despedida. "10 Miles Stereo" sonó con mucha mayor fuerza y dinamismo que en la versión de estudio, con sus resonantes percusiones y los punteos de Scally, fue acaso el momento en el que más bailó la gente (ciertamente la música de Beach House no es la más adecuada para bailar).
Lo malo, las ausencias: del primer álbum se extrañó "Apple Orchard", uno de sus temas más célebres; de Devotion, una de sus baladas más nostálgicas, "You Came to Me"; y "Real Love", que con ella se hubiera tocado todo Teen Dream en vivo. En fin. 13 canciones resultó muy poco, por lo que esperamos que Beach House regrese pronto a México y nos complazca con más temas de su excelente repertorio.

Setlist:

Walk in the Park
Lover of Mine
Gila
Better Times
Norway
Silver Soul
Master of None
Astronaut
Used to Be
Zebra
Heart of Chambers
Take Care

Encore:
10 Miles Stereo

Canción de la semana: The National "Afraid of Everyone"

The National
"Afraid of Everyone"
High Violet
2010

The National lanzó esta semana su quinto álbum, High Violet. Sin duda uno de sus mejores trabajos, que cuenta con magníficos invitados (Sufjan Stevens, Justin Vernon). Un álbum lleno de excelentes canciones, entre ellas "Afraid of Everyone", de atmósferas oscuras, versos paranoicos y coros fantasmagóricos en los que participa Stevens.
Pues bien, The National se presentó el jueves en The Late Show With David Letterman interpretando "Afraid of Everyone". Estupendo performance que contó con la colaboración del propio Sufjan Stevens. Los instrumentos sonaron mucho más (in)tensos, con la notable contribución de los metales, y la voz de Matt Berninger se escuchó mucho más dramática y frenética que en la versión de estudio. En fin, The National demuestra de nuevo que es una gran banda.



Pueden descargar gratis la canción aquí:
http://stereogum.com/339721/the-national-afraid-of-everyone/mp3s/

Querida Arizona

Querida Arizona

Hace unas dos semanas se estrenó el video de M.I.A. "Born Free", dirigido por Romain Gavras. El tema: la violenta persecusión contra un grupo racial de Estados Unidos llevada a cabo por un comando oficial. El video es violento y ya fue censurado en YouTube.

(El nuevo álbum de M.I.A. ɅɅɅΥɅ sale el próximo 29 de junio).

"Turn me on, UNdead man"

"Turn me on, UNdead man"

¿Cómo los Beatles conquistaron al mundo? La respuesta es fácil: eran zombies (...bueno, en realidad Ringo era un letal ninja, obvio, ¿no?). Acaso Tim Harper tenía razón en 1969: Paul estaba muerto. Lo corregimos: más bien, era un zombie.
La historia es aún poco conocida. En el sombrío y lóbrego Liverpool de tiempos de guerra (ambiente propicio para la propagación de zombies y todo tipo de creaturas monstruosas), específicamente el 9 de octubre de 1940, un muerto viviente acechaba una sala de maternidad de uno de los hospitales de la ciudad. Su víctima, el recién nacido John Winston Lennon. Unos años después, el zombie John conoce, mata y revive a Paul McCartney y juntos planean dominar al mundo. "I Want to Hold Your...". A este proyecto se les unen el joven zombie George Harrison y el ninja Ringo Starr. Su mayor deleite: los cerebros de sus fans. De Liverpool cruzan el Atlántico para llegar a América. ¿Quién podrá salvar al mundo? Las esperanzas pueden estar depositadas en el célebre cazador de zombies: Mick Jagger.

No estoy debrayando (creo que mi fanatismo por los Beatles aún no ha llegado a tal grado). Más o menos sobre esto versa la novela Paul is Undead: The British Zombie Invation, de Alan Goldsher, publicada en enero de este año y que será llevada a la pantalla grande en junio bajo la dirección de Michael Shamberg.
Tal vez ahora ha llegado el tiempo de correr a la A Hard Day's Night.

A 40 años de Let It Be

A 40 años de Let It Be

Las tensiones ya eran de suyo evidentes. La culpa no era sólo de la artista conceptual de origen asiático. En realidad, muchos factores estaban en juego. Cada uno de los miembros de la banda había crecido demasiado, al menos en términos musicales. Cada uno tenía material suficiente para grabar por sí solo un álbum completo, o, como lo demostró pocos años después el más joven de ellos, incluso para lanzar un excelente álbum triple. ¿Con qué criterio seleccionar canciones, incluir unas y dejar otras fuera? Eran grandes egos, y tenían razones de sobra para creérselo. La controvertida muerte de su manager algunos años antes también había contribuido a los conflictos entre el grupo; era cercano al más revolucionario de todos ellos, pero quién tomó la batuta fue quien tenía más visión comercial y mercantil, de sacar adelante a la banda en términos económicos, de asumir el liderazgo, no siempre armónico.
Lo cierto es que los conflictos venían desde antes, al menos, notoriamente, desde 1968. El bajista y líder del grupo —el beatleholic, según la elocuente expresión del baterista de la banda— sugirió que una forma de disminuir las tensiones sería ensayar como banda, o bien, tocar de nuevo en vivo. Dejar por un lado la experimentación -que por lo demás se dio de manera bastante individualista- tan característica de los tres álbumes anteriores (Revolver, Pepper, el álbum blanco) y hacer de nuevo un álbum rock. Volver a las raíces. "Volver al lugar al que alguna vez perteneciste". A la caverna, a viejos temas rock n' roll como "One After 909". Idea tentadora. Ya el más "tímido" de ellos buscaba inspiración no sólo en la música de la India, sino también en el folk de músicos como Bob Dylan, un eterno referente de la banda. Otro de ellos, rockero de alma, también había tocado en vivo la rockera "Yer Blues" acompañado de los talentosos Eric Clapton, Mitch Mitchell y Keith Richards, bajo el nombre de The Dirty Mac, en un célebre evento organizado por los Rolling Stones.



Otra opción era cambiar temporalmente de productor, dejar a un lado al brillante productor de música clásica que tan bien la hizo con temas de rock n' roll, primero, y con la experimentación psicodélica, después (Pepper no hubiera sido ni de lejos lo mismo sin él). La nueva propuesta: Glyn Johns. Algunos no apoyaron esta idea, pero se trabajó con él.
La última propuesta para sacar adelante la banda fue filmar la grabación del disco. Un video que no hizo más que, cual reality show, dar cuenta de las tensiones del grupo. El guitarrista de la banda era claramente despreciado, su excelente tema "I Me Mine" apenas fue incluido en el disco final (una canción que, por cierto, desde el título -y con una marcada influencia hindú- aludía a la egocéntrica situación de los miembros del grupo). Por un momento dejó la banda y, en vez de que sus compañeros pidieran su regreso, llegaron a considerar a Clapton como nuevo guitarrista del grupo.
Las sesiones de grabación continuaron con el joven guitarrista de regreso, quien trajo consigo al tecladista Billy Preston con el fin de aminorar los conflictos. Así, los cinco llevaron a cabo una presentación en vivo, presentación que se volvería emblemática. En el techo del edificio de Apple tocaron algunas de las nuevas canciones como "Dig a Pony", "I've Got a Feeling", "One After 909", "Get Back" y "Don't Let Me Down". Desafortunadamente, la policía los interrumpió y éste fue el último acto en directo público de la banda.



A pesar de la presentación en vivo, el álbum no fue totalmente una grabación en directo. De hecho, el único tema grabado de tal forma fue "One After 909". El resto de las canciones se grabaron en estudio y el feliz título del álbum fue Get Back. Para continuar con este aire de regreso, de vuelta a los orígenes, la portada del álbum sería la versión 1969 del álbum debut: todos los integrantes de la banda en las escaleras de la oficina de EMI, viendo hacia abajo. El álbum quedó listo a finales de mayo de aquel año y saldría en el mes de julio. Luego se aplazó a diciembre porque la banda se encontraba grabando lo que en realidad fue su último álbum, Abbey Road. El listado de Get Back era el siguiente:

1. The One After 909
2. Rocker
3. Save the Last Dance for Me
4. Don't Let Me Down
5. Dig a Pony
6. I've Got a Feeling
7. Get Back

1. For You Blue
2. Teddy Boy
3. Two of Us
4. Maggie Mae
5. Dig It
6. Let It Be
7. The Long and Winding Road
8. Get Back (reprise)

Pero entre diciembre de 1969 y enero de 1970 se hicieron nuevas mezclas, algunas canciones quedaron fuera y se incluyeron otras. Y en marzo de 1970 se probó suerte con un nuevo productor, quien había trabajado con girl groups como las Crystals y las Ronettes. El álbum cambió de nombre, finalmente se tituló Let It Be, y a lo que era un material esencialmente de rock (sólo guitarras, bajo, batería y algunos teclados) el nuevo productor le incorporó una serie de arreglos orquestales que no convencieron a todos los miembros de la banda. Particularmente fue el caso de "The Long and Winding Road", que para su compositor debía ser sencillamente una balada con solo piano. Pero para cuando Let It Be fue lanzado, el 8 de mayo de 1970, la banda ya se había separado, y en sus trayectorias como solistas algunos volvieron a colaborar con el productor del disco. Para esta versión sí se usaron más tomas en vivo: además de "One After 909", se incluyeron "Dig a Pony" del concierto del techo, y "Two of Us", "Dig It" y "Maggie Mae" fueron grabadas en vivo en el estudio.

A veces pareciera que no hubo mayor conflicto al interior del Fab Four. En la folky (pero originalmente rockera-eléctrica) "Two of Us", la mancuerna de los dos compositores principales retoma, cual en sus primeros años juntos, la influencia temprana de los Everly-Brothers; y en la bluesesca "I've Got a Feeling", alternan las vocales entre pasajes optimistas y pesimistas ("Everybody Had a Hard Year"…). Y a pesar de que Let It Be no es el mejor álbum de la banda (mi padre convenía, y decía que éste álbum bien podría ser el “grandes éxitos” de muchos grupos), sí incluye algunas de sus canciones más emblemáticas y "espirituales": el consolador himno "Let It Be", que incluye uno de los mejores solos de la banda, la "balada cósmica" "Across the Universe". "Get Back" es uno de sus grandes actos rock con la resonante línea de bajo y los arreglos de teclado y guitarra. Siempre fue el tema que mejor representó el espíritu del proyecto original. Sin embargo, el producto final, Let It Be, fue en realidad el largo y sinuoso camino del fin de The Beatles.



1. Two of Us
2. Dig a Pony
3. Across the Universe
4. I Me Mine
5. Dig IT
6. Let It Be
7. Maggie Mae

1. I've Got a Feeling
2. One After 909
3. The Long and Winding Road
4. For You Blue
5. Get Back

Canción de la semana: Lou Reed "Street Hassle"

Lou Reed
"Street Hassle"
Street Hassle
1978

En esta excelente pieza de más de 10 minutos, Lou Reed mezcla, como bien lo sabe hacer, una bella melodía acompañada de arreglos de cuerdas con imágenes beat que bien podrían provenir de una historia de William Burroughs. La canción está dividida en tres partes: 1. "Waltzing Matilda", sobre la relación de una mujer con un prostituto; 2. "Street Hassle", el monólogo de un dealer sobre la muerte de una mujer; 3. "Slipaway", sobre muerte y amor, que incluye una pequeña sección recitada por Bruce Springsteen, donde destaca la intertextual frase "Hay vagabundos como nosotros que nacieron para pagar". Las estrofas finales son magistrales, con una de las interpretaciones más estremecedoras de Reed cuando canta "El amor se ha ido/toma los anillos de mis dedos/y no hay nada que decir/pero, cómo, cómo te necesito/ven, te necesito/por favor no te marches/necesito tanto tu amor, por favor no te marches"

Liars:Drum's Not Dead

Liars
Drum's Not Dead
2006

Para muchos, los tambores no están muertos; por el contrario, están llenos de vida. Los tambores de los Kaluli de Nueva Guinea, nos dice el etnomusicólogo y lingüista norteamericano Steven Feld, se encuentran en íntima conexión con las aves y con los espíritus de los niños muertos, por lo que escucharlos resulta una experiencia por demás significativa para los Kaluli.
El percusionista y teórico musical inglés Chris Cutler también encontró otra forma de “dar vida” a los tambores. Cutler electrificó su batería añadiendo una serie de pedales delay, reverb, de distorsión, entre otros, para crear nuevos tipos de sonidos con las percusiones.
En su tercer álbum, la banda de Brooklyn Liars retoma las enseñanzas de Cutler, y tanto el baterista Julian Gross como el percusionista, guitarrista y tecladista Aaron Hemphill colocan micrófonos en su batería y percusiones para lograr efectos de reverb, delay, entre otros. Drum´s Not Dead es entonces un álbum en el que, como el título lo sugiere, lo que predomina son las percusiones, de carácter fuertemente tribal, pero que con los efectos de los pedales generan atmósferas etéreas oscuras con densas texturas sonoras. A este sonido también contribuyen las guitarras drone, que hacen de Drum’s Not Dead, en cuanto a su textura, un álbum comparable a The Ascension de Glenn Branca o a Loveless de My Bloody Valentine.
Drum’s Not Dead tiene como tema central el conflicto entre dos personajes, Drum y Mount Heart Attack, conflicto que representa el choque de fuerzas entre, por un lado, lo creativo, instintivo y asertivo y, por otro, la complacencia, el pesimismo y la aprehensión. O bien, entre la confianza y la cobardía. Una tensión que se encuentra presente en todo proceso creativo y en todo el álbum. Interesante, pero en realidad la historia importa muy poco, lo central es, por mucho, el sonido.
El vocalista Angus Andrew canta con un estilo comparable a Thom Yorke en sus momentos más lúgubres, y emplea más que nunca falsetos sumamente fantasmagóricos. El álbum abre con la sombría “Be Quiet Mt. Heart Attack” con sus resonantes tambores militares. “Let’s Not Wrestle Mt. Heart Attack”, con sus percusiones ceremoniales, es oscura, tensa, a punto de estallar en cualquier momento, pero nunca lo hace, ahí su encanto. En “It Fit When I Was a Kid” las líneas de bajo y las percusiones, así como la sorpresiva entrada del órgano de iglesia, generan un ambiente siniestro. Los temas se van conectando fácilmente los unos con los otros a través de las atmósferas continuas, lo que genera la sensación de que lo que importa no son tanto las canciones individuales, sino la colección de sonidos, abstractos y ruidosos.
Pero también encontramos, en contraste con las atmósferas oscuras, bellas piezas ambientales, muy a la Brian Eno, como “Drum Gets a Glimpse”. El final resulta de hecho sumamente inesperado con la balada “The Other Side of Mt. Heart Attack". Es una excelente pieza que desentona con el resto del álbum y que, como su título lo indica, muestra el otro lado de Mt. Heart Attack: detrás del pesimismo y la aprehensión, nos muestra entrega, lealtad, amor: “No voy a correr lejos/siempre puedo ser encontrado/si me necesitas/siempre puedo ser encontrado/si quieres que me quede/permaneceré a tu lado/no correré lejos/siempre puedo ser encontrado/permaneceré a tu lado/y quiero que me encuentres/así que permaneceré a tu lado”. Es también sin duda el otro lado de Drum’s Not Dead y de Liars mismos.

Conclusión: Liars nos demuestran que los tambores están llenos de vida, pero una vida hondamente fúnebre.

Pueden descargar el álbum aquí: http://www.filestube.com/79d2ea9abf864ff303e9,g/Liars-Drum-s-Not-Dead-%5B2006%5D.html

Phoenix mezcla Grizzly Bear con Brian Eno (y tú también puedes hacerlo)

(...para aquellos que en algún momento esperabamos escuchar Pachelbel, Eno y Grizzly Bear juntos)

Los franceses Phoenix, que hace unos meses visitaron México para presentar su excelente álbum Wolfgang Amadeus Phoenix (que ganó el grammy de este año en la categoría de mejor álbum de música alternativa), nos ofrecen un interesante remix de "Foreground", una de las piezas más bellas del último álbum de Grizzly Bear, Veckatimest. Interesante porque en realidad el remix lo hace uno mismo a partir de mezclar "Foreground" con la versión experimental-ambiental de "Canon in D Major" de Brian Eno. Así que ustedes pueden crear su propia mezcla, comenzar con Eno y luego con Grizzly, jugar con el volumen, las pausas y todo lo que se les ocurra, aquí:
http://wearephoenix.com/grizzly_bear_remix/

(hasta ahora yo disfruto de una versión de "Foreground" ambiental a la décima potencia)

sobre Veckatimest y Woflgang Amadeus Phoenix pueden ver más aquí:
http://blog.thespacefarm.com/?p=3939